Intervista a un membro della giuria per la terza stagione di Gaudir, Alexandra Kukinova.

In un'intervista con te, ho letto: "Alexandra Kukinova, cresciuta in Unione Sovietica, ha avuto un'infanzia felice. I suoi genitori e la nonna la circondavano di persone colte e libere. Ha ricevuto molte impressioni dal teatro, dal cinema, dalla pittura e dalla letteratura, che in seguito saranno espresse attraverso le sue bambole ... "

Quale di queste "persone libere di pensare" ricordi di più? Fino a che punto questa persona ti ha influenzato come futuro creatore di bambole?! Quanto è importante, dal tuo punto di vista, scegliere per te stesso un esempio da seguire, ammirazione, seguire questo esempio per tutta la vita?

L'indipendenza di pensiero e la libertà interiore erano le proprietà principali della mia famiglia e del loro ambiente. Sai, queste erano persone che, intuitivamente o consapevolmente, hanno resistito alle bugie e al male. Apertamente o di nascosto, evitavano la menzogna, la volgarità e l'umiliazione. Erano scienziati, critici d'arte e scrittori. Apparentemente, queste proprietà sono necessarie per le persone creative. Sentire la verità, cercare la verità. Quando vivevamo in estate con mia nonna a Koktebel, allora avevo 8 anni, una meravigliosa società si riuniva sul balcone della nostra stanza nella casa di riposo per ascoltare Bulat Okudzhava. Ho avuto la fortuna di andare al festival di film, leggere letteratura contemporanea e samizdat e assistere alle prove al Taganka Theatre. Mi sembrava che tutte le persone fossero così, vivessero così e la pensassero così... Ero ancora un bambino e ascoltavo, leggevo, guardavo...

E amavo solo mio padre, mia madre, mia nonna. Ammirazione e rispetto, ovviamente! Ma arrivano quando cresci e capisci con chi sei cresciuto.

Il destino ci offre persone pronte ad aiutare, aprire le porte ad altri mondi e insegnare. Inoltre, solo la nostra curiosità e il desiderio di imparare, vedere, ascoltare e pensare.

Vivendo in una famiglia e in una società, imitiamo. Lo facciamo inconsciamente. È così che impariamo a camminare, parlare, comportarci. L'apprendimento si basa sul riconoscere e ricordare tutto ciò che è stato fatto prima di noi. Così funziona la natura. Ma l'imitazione deliberata, copiare la vita di qualcun altro mi sembra irragionevole e persino dannosa. Eppure, come mi sembra, il compito di ogni persona è l'auto-miglioramento e l'autodeterminazione. È interessante solo un'individualità sviluppata.

È generalmente accettato che una vera opera d'arte possa essere creata solo quando tu stesso hai vissuto una tragedia personale. Quanto è vera o controversa questa affermazione?!

Discutendo di questo tema, bisognerebbe, prima di tutto, chiarire cosa si intende per concetto di "opera d'arte". Questa non è una domanda oziosa. Sono sicuro che il lavoro spirituale è necessario per creare un buon lavoro. Solo ciò che è nella brocca può fuoriuscire. È richiesta abilità, ad es. padronanza della lingua parlata dall'artista (scultore, musicista, scrittore, regista, pittore, burattinaio). È richiesto uno spettatore istruito in grado di leggere questo testo letterario. Eppure, per un'arte davvero grande, hai bisogno del talento o di un bacio di Dio, o di una connessione con l'Universo.

Un'anima fragile e sensibile (e un creatore ce l'ha sempre) soffre di una parola dura, di volgarità, sporcizia, incomprensione. Anche questo è dolore e dolore. La sofferenza nobilita l'anima. Secondo me, non c'è arte senza sentimento sottile.

Questa proprietà non va confusa con il sentimentalismo o la dolcezza, non c'entrano nulla.

Un artista dovrebbe essere sempre "affamato" e "affamato" o ha bisogno del sostegno dello stato e dei mecenati delle arti? Un tempo tuo padre ti ha aiutato e hai creato un'impresa che è diventata di successo e prospera... Hai il desiderio di fare qualcosa di simile per giovani artisti promettenti? Trasferire la tua esperienza e conoscenza ai principianti? Quale dei moderni burattinai noteresti, sosterresti con consigli o anche (!) Prenderesti come tuoi allievi (nel progetto dell'autore) ?!

Mi sembra che un artista dovrebbe essere "affamato e affamato" di creatività, sviluppo e autoeducazione. La vera fame può provocare un tale fenomeno, che chiamiamo "hack". La parola parla da sola. Oppure far lavorare l'artista per le esigenze del giorno, facendo cose che "piace alla gente" o ciò che vuole il cliente. Nella maggior parte dei casi ho fatto il lavoro che volevo, e ho preso ordini per un limite (da 250 a 2 pezzi), a seconda della complessità della ripetizione. Papà mi ha aiutato molto nella creazione dell'azienda e mi ha sostenuto finanziariamente. Non posso dire nulla di mecenati e ordini statali, se non che i contratti spesso mettono l'artista in una posizione di dipendenza, e questo non aiuta la creatività. Per quanto riguarda il trasferimento di esperienza, tengo lezioni, conduciamo corsi di perfezionamento con la mia amica e collega Maya Yudina. Ma non insegno come farlo, cerco di insegnare a coloro che sono interessati a come si forma un'immagine, come lavorare con la forma, il colore, la trama, la composizione della storia del costume e della cultura materiale.

I burattini spesso provengono dal teatro ... E possiamo vedere esempi di alta arte di burattini eseguiti da professionisti del palcoscenico. In che modo la tua esperienza nel teatro ha aiutato nella scelta della prossima professione: un artista di sculture figurative (è difficile chiamare le tue opere "pupazzi") ?! Hai bisogno di conoscenze accademiche per essere riconosciuto da colleghi, intenditori e fan, o non ti salva da errori e fallimenti?

Chi non sa leggere, non solo non scriverà un libro, ma non potrà nemmeno leggere tutte le grandi cose che sono già state scritte prima di lui. L'istruzione è assolutamente essenziale. Ma è importante anche la sete di conoscenza, il movimento costante, la sensazione di non sapere fare nulla... è un grande successo incontrare un INSEGNANTE in questo percorso, che guiderà il movimento e indicherà errori, criticherà . C'erano molte di queste persone nella mia vita e sono infinitamente grato a loro. Shilov è stato riconosciuto e amato dal grande pubblico, sebbene non sia nulla nell'arte. Van Gogh non ha venduto una sola tela durante la sua vita, ma questo non toglie nulla al suo genio. La musica di Schnittke è molto apprezzata dai professionisti e le pop star sono ascoltate da milioni di persone. Ma questo non è un indicatore della qualità di un'opera d'arte. La valutazione onesta dei professionisti è sempre stata importante per me.

Dicono spesso: "Non farti un idolo ..." Tuttavia, non è un segreto che molti cercano di imitarti nella speranza di provare il successo e lo stile di vita del maestro. Sia i fan che i fan identificano la bellezza e la perfezione delle tue bambole con la tua vita reale. Cosa diresti a coloro che vedono solo un lato della professione: brillantezza, fama, ricchezza? E cosa si nasconde dall'altra parte?!

Non farti idolo, ... Il secondo comandamento dato da Dio a Mosè sul monte Sinai. Si tratta solo di non adorare gli pseudo-dei. Hanno cercato di copiare le mie bambole fin da quando ho memoria. Ma non solo il mio. Copiano tutto ciò che gli piace, ciò che ha successo, ciò che viene acquistato. Mi sembra che non abbia nulla a che fare con l'idolatria. Piuttosto, è la mancanza delle proprie idee, il desiderio di denaro e fama. Durante l'infanzia, non gli è stato detto che rubare non va bene.

L'arte non è legata alla vita esterna, ma interna. Ma non può essere copiato. Andavo sempre avanti, provavo cose nuove. Questo è l'unico modo per vivere in modo interessante e in qualche modo sfuggire all'autoripetizione.

Forse chi ti conosce bene dirà il contrario, ma per il grande pubblico sei un artista “solitario”, un creatore autosufficiente, privato. È così?! E se questo non è il caso, hai intenzione di partecipare a progetti di mostre collettive come organizzatore o performer (seguendo l'esempio di Lyubov Lukyanchuk o dell'Associazione degli artisti degli Urali di Svetlana Rezanova)?

Non sono mai stato un artista solitario. Dal 1989, ho avuto un'azienda "Alexandra", che, in tempi diversi, ha impiegato da 10 a 200 persone. Sono stato molto aiutato dalla mia formazione, che include competenze nella gestione di laboratori teatrali ed economia della produzione. L'azienda aveva una parte di progettazione e produzione. Il mio compito era creare un'immagine, come fanno i costumisti a teatro, uno schizzo, un tatuaggio, una scelta di tessuto. Gli sviluppi tecnologici sono stati fatti con la parte progettuale dell'azienda, che era già stata trasferita alla produzione, infatti, si trattava di laboratori più artistici. E così per 30 anni. Ho sempre collaborato con stilisti, scultori, calzolai e ceramisti, gioiellieri. Ho idee con progetti, ma finora queste sono solo idee.

"Combattere le difficoltà unisce le persone!" Sono queste le tue parole? Pensi che sia facile risolvere i problemi con i giovani della “generazione Instagram” come con la vecchia “guardia”? O c'è un'epoca di totale indifferenza, quando i problemi e i problemi di un'altra persona non toccano nessuno?

Il mondo cambia continuamente e ogni generazione successiva deve cercare nuove forme di esistenza. Ma le persone non cambiano molto. Ci sono sempre state e stanno emergendo unioni di persone attente a un interesse comune, e all'interno di queste unioni c'è sempre l'assistenza reciproca, il desiderio di raggiungere un risultato comune. Dopotutto, i teatri, le orchestre sono vive, si fanno film, si sviluppa la medicina. Risolvere problemi complessi richiede sempre un'unione di professionisti di diverse specialità.

In generale, il mondo sta diventando più umano. Secondo me.

NEL XIX nel. I preraffaelliti lavoravano con lo slogan "L'arte per l'arte". Questo slogan è stato cantato da Sergei Diaghilev, creando all'inizio un progetto su larga scala "Russian Seasons" XX secolo. Sappiamo che l'estetica della "Silver Age" ti è vicina. Quali valori promuovi nelle tue opere? C'è un manifesto di Alexandra Kukinova che stai portando al mondo?

Mi sembra che lo slogan "L'arte per l'arte" sia nato come protesta contro il cattivo gusto e il moralismo puritano e il romanticismo nell'arte nel primo terzo del XIX secolo. E io sono solo innamorato del costume. E se procediamo dal fatto che "L'arte è un modo di conoscere il mondo", allora sono costantemente impegnato in tale conoscenza dell'area ristretta (in effetti, sconfinata) della cultura materiale: il costume. Sono accolti dai vestiti: questo significa un abito, è sempre un messaggio per gli altri. Chi sei, cosa sei, cosa vuoi e a quale classe sociale appartieni, ricchezza, opinioni religiose. E anche nazionalità, luogo di residenza, professione, ecc. Un costume è anche un messaggio sull'epoca, sulle idee estetiche e sociali della società. E poi c'è il gioco delle forme, il linguaggio e il simbolismo del colore, la bellezza di una silhouette, una combinazione di trame, un mondo di dettagli e ornamenti. Questo è probabilmente il mio manifesto.

Domande preparate da Irina Panfilenok